9 artistes qui utilisent l'équipement modulaire de manière non conventionnelle

Les synthés modulaires ont l'air intimidants. Ils sont pleins de boutons, de LED clignotantes et de fils colorés qui s'entrecroisent ; à première vue, un système modulaire ne semble pas très invitant ou intuitif. S'il est vrai que leurs circuits sont complexes et qu'il y a un peu de courbe d'apprentissage lors de leur utilisation pour composer de la musique, les synthés modulaires sont assez simples à la base.

"Ce que nous faisons, c'est sculpter l'électricité qui sort du mur", explique le producteur Gareth Jones. "C'est comme prendre un bloc de pierre brute et le ciseler." D'autres artistes, comme le compositeur et ingénieur Arushi Jain, y voient une conversation : "Plus vous passez de temps avec le patch [et] les modules en particulier, plus vous comprenez leurs comportements, leurs caractéristiques, leurs tendances bizarres."

Lorsque j'explique ma plate-forme modulaire à un étranger curieux, l'appeler un "cerveau" semble résonner le plus. Je leur dis que chaque module a une fonction spécifique - certains génèrent des signaux, certains ajoutent ou suppriment des fréquences, certains sont des effets comme le retard ou la réverbération - et que chaque point de patch agit comme une synapse. Les câbles de raccordement transmettent l'électricité et indiquent à certains processus de s'initier. Habituellement, ils acquiescent. "Oh, d'accord, c'est logique", diront-ils. Mais de temps en temps, après une petite pause, quelqu'un demandera inévitablement : "Alors, où branchez-vous la guitare ?"

C'est en fait une question juste et importante. Certains pensent que les synthés modulaires sont des machines à musique tout-en-un, et dans une certaine mesure, c'est vrai. Les artistes ambiants comme Dream Chambers et Jogging House ont principalement des configurations modulaires. Les producteurs de hip-hop comme JWords, Ski Beatz et Timbaland utilisent des synthés modulaires pour créer des rythmes. Des synthétiseurs comme Glia et Floating Points ont introduit les synthés modulaires dans le domaine du jazz (ou jazz-adjacent). Hiro Kone et Caterina Barbieri utilisent des synthés modulaires pour créer des compositions hallucinantes qui incorporent des éléments de techno, de kosmische et de minimalisme. Un synthétiseur modulaire n'a pas nécessairement besoin d'interagir avec d'autres matériels pour créer des compositions entièrement étoffées.

Ce dont on parle moins, mais qui pourrait peut-être rendre les synthés modulaires un peu plus accessibles, c'est la possibilité de moduler des sons qui ne proviennent pas de l'instrument lui-même. De nombreux synthés à clavier ont des entrées audio utilisées pour traiter les signaux externes : écoutez l'album de 1972 d'Annette Peacock, I'm The One, pour entendre des voix traitées par Moog, ou The Feedback Sutras de Tarotplane pour savoir à quoi ressemble la guitare lorsqu'elle est filtrée à travers un Korg MS-20.

Le monde Eurorack, cependant, a considérablement élargi l'idée du traitement des sons extérieurs. J'ai parlé à plusieurs artistes et producteurs de leur utilisation de synthés modulaires pour le traitement externe du signal lors de la composition, de la production ou du mixage.

Le voyage d'Adam McDaniel dans le traitement des synthés modulaires a commencé par un message d'erreur. Pro Tools l'a arrêté pendant une session, déclarant que son "automatisation était trop dense pour la lecture". Il me dit cela avec un rire narquois, ajoutant "Merde, c'est assez malade." McDaniel n'est pas étranger aux équipements hors-bord, étant l'un des fondateurs et producteurs/ingénieurs de Drop of Sun, un studio d'enregistrement à Asheville, en Caroline du Nord.

Pourtant, il avait besoin d'une solution à son problème d'automatisation qui pourrait être façonnée en temps réel. Après être passé à un système modulaire pour le traitement des effets, McDaniel a trouvé les possibilités dynamiques considérablement élargies. "C'est comme un H3000 [Eventide] explosé", dit-il. "Tous les paramètres automatisables sont là pour que vous puissiez les toucher."

McDaniel a découvert la synthèse modulaire pour la première fois en assistant à une conférence donnée par le fondateur de Make Noise, Tony Rolando. Rolando expliquait MATHS, un module de calcul analogique. McDaniel décrit la conversation comme tout aussi déroutante qu'intrigante, l'ouvrant à un "tout nouveau monde d'imagination". Maintenant, armé de plus d'expérience et de connaissances théoriques, McDaniel attribue au monde des synthés modulaires le mérite de garder des sessions spontanées et excitantes, guidant les artistes vers des sons qu'ils ne savaient pas possibles.

Le Make Noise Erbe-Verb est l'un de ses favoris, étant devenu un module incontournable pour les effets vocaux. Il aime l'utiliser pour l'esquive, car ses paramètres "Decay" et "Absorb" peuvent être programmés via la tension de commande pour créer de luxuriantes rafales de réverbération. Il utilise également le module de distorsion MӦG D-2 de DPW Design pour initier les guitaristes sceptiques au monde des synthés.

Selon McDaniel, la destruction est l'une des parties les plus cruciales de son processus. "Je débranche tout [après] chaque chanson", dit-il. "Je ne me souviens pas exprès de mes patchs." McDaniel veut garder ses yeux frais pour chaque client. En partant d'une page blanche, chaque session devient entièrement collaborative, l'amenant, lui et l'artiste, vers un nouveau territoire sonore.

Lorsque Meg Mulhearn a découvert la synthèse modulaire pour la première fois, ses pensées se sont immédiatement tournées vers le violon, son instrument principal depuis l'âge de 8 ans. "Je voulais qu'ils soient amis", me dit-elle en riant. "Cela m'est venu à l'esprit [tout de suite], mais j'avais besoin d'avoir une synthèse à mon actif." Elle a ensuite commencé à étudier le fonctionnement des synthés, apprenant d'abord le Make Noise 0-Coast semi-modulaire avant de construire un système entièrement modulaire.

Mulhearn a dirigé le service d'expédition de Make Noise pendant plusieurs années, mais a également réalisé des vidéos de démonstration 0-Coast pour l'entreprise et organisé des ateliers enseignant les bases de la synthèse. Après avoir développé un flux de travail solide avec le modulaire, Mulhearn a commencé à intégrer le violon, en utilisant des modules comme le Morphagene et le Mimeophon pour découvrir les qualités de l'instrument qu'elle n'avait jamais entendu auparavant.

Sur les albums les plus récents du musicien de Caroline du Nord, Breath is a Wave et Conjunctions (un split avec Belly Full of Stars de Nashville), Mulhearn explose le violon. Ses compositions sont lourdes et stratifiées, influencées par des années de jeu dans des groupes de métal comme US Christmas et Descolada. Des rythmes en boucle se replient sur eux-mêmes tandis que des drones planent comme un épais brouillard.

"Balance Wheel", un point culminant glitch de son côté de Conjonctions, présente un violon pincé en boucle dans le Morphagene. Il passe ensuite par le retard stéréo en cascade du Mimeophon. En modifiant la résonance du paramètre "Couleur" du miméophon, Mulhearn a découvert qu'elle pouvait accentuer le grattage produit par ses doigts lorsqu'il pince les cordes, donnant à la boucle un éclat de distorsion douce.

Lorsqu'elle joue en direct, elle utilise souvent des bobines Morphagene similaires pour déclencher des portes dans l'interface de percussion 4MS, qu'elle envoie à travers le système pour déclencher d'autres événements. Elle aime créer une "boucle complète où le violon [est] la source des changements [tout en] étant traité par le synthé".

Mulhearn affirme que l'utilisation du synthé modulaire - en particulier en tandem avec le violon - "a recâblé son cerveau". La facilité avec laquelle le modulaire peut faciliter le changement reflète l'existence elle-même ; "tout est modifiable", dit-elle. La vie et la synthèse consistent en des cycles que nous apprenons à interrompre, à moduler ou à laisser en place.

Il est presque impossible de parler des quelque trente dernières années de musique électronique sans mentionner King Britt. À la fin des années 80 et au début des années 90, King a contribué à façonner la scène électronique de Philadelphie. Avec Dozia Blakely, il a créé la soirée Back2Basics à Silk City tout en travaillant comme acheteur de musique de danse vinyle chez Tower Records. Ishmael Butler a demandé à Britt de rejoindre Digable Planets en tant que DJ, et il a passé deux ans et demi avec eux sur la route. Il a collaboré avec De La Soul, Madlib, Gonjasufi et Tyshawn Sorey, a remixé des chansons de Solange et Meredith Monk et a joué dans des festivals comme AfroPunk, Moogfest et Le Guess Who. Britt enseigne maintenant Blacktronika: Afrofuturism In Electronic Music, un cours magistral qu'il a conçu pour le programme Computer Music de l'Université de San Diego. Le cours honore les contributions et les innovations à la musique électronique des Noirs et des autres personnes de couleur.

Britt est également un maître synthétiseur avec une énorme collection de claviers et de modules. Il aime particulièrement créer de petits systèmes modulaires avec les boîtiers 4ms Pods pour des tâches sonores spécifiques. "Je peux me limiter à certains effets ou traitements spécifiques à certaines tâches sans être séduit par d'autres modules", explique-t-il. "Par exemple, j'ai Mannequins Just Friends et Clouds ensemble pour le traitement du signal." Dernièrement, il a utilisé Make Noise Tape & Microsound Music Machine, un système de skiff qui comprend les modules Wogglebug, MATHS, Morphagene, QPAS, Mimeophon et XOH de la société, pour transformer les enregistrements de la nature en "sonorités [rythmiques]".

Une fois qu'il a trouvé les sons qu'il veut traiter, il les fait passer par un processus d'échantillonnage en plusieurs étapes. Tout d'abord, il charge les sons dans le Morphagene et les coupe dans les épissures qu'il veut effectuer. Ensuite, il décide comment déclencher les épissures. Parfois, il envoie un LFO des outils Ableton dans le module. D'autres fois, il utilise la sortie Accent Trigger d'un Boss DR-110 pour envoyer des signaux de gate rythmiques afin de séquencer les épissures. Il peut "modifier de manière créative lesdites épissures" avec le filtre QPAS du système et l'écho Mimephon tout en enregistrant la performance dans Ableton pour la sauvegarder pour une utilisation future.

Pour Britt, la joie de la synthèse dans les instants fugaces de la découverte. Il crée des patchs à répéter ; sur ceux-ci, il prendra de copieuses notes. Mais pour la plupart, il enregistrera autant qu'il le pourra avec un seul patch, essorant chaque goutte de possibilité créative, puis le démolira et l'oubliera.

Les années 1980 ne sonneraient pas comme elles l'ont fait sans Gareth Jones. Le producteur a commencé son voyage musical en expérimentant avec des boucles de bande et des montages. Il s'est ensuite formé à la BBC et a rapidement commencé à travailler aux studios Pathway au nord de Londres. Là, il a enregistré les premiers singles de Madness et John Foxx avant de décamper à Berlin pour travailler au Hansa Tonstudio. Finalement, son travail a attiré les oreilles de Depeche Mode, pour qui il a continué à produire cinq disques. Jones était une force majeure de la musique New Wave et industrielle, travaillant avec des groupes légendaires comme Einstürzende Neubauten, Erasure et Wire.

Il avait de l'expérience dans l'utilisation des synthétiseurs modulaires des années 70 et 80 - les énormes boîtiers de circuits avec des prises d'un quart de pouce qui ressemblaient à des armes - alors quand ce qu'il appelle la "révolution Eurorack" est survenue il y a plus de dix ans, il était très intrigué. Ne sachant pas par où commencer avec Eurorack, il visitait régulièrement Schneidersladen, le célèbre magasin de synthés de Berlin, avec de l'argent en main. "A l'époque, la plupart de mes revenus provenaient du mixage de disques", dit-il. "J'ai pensé que je pourrais justifier la dépense si j'achetais des modules à utiliser pour le mixage."

Le premier module sur lequel il s'est installé était le Make Noise Echophon, qui l'a attiré grâce à son "caractère d'écho et sa couleur uniques". Au fur et à mesure qu'il élargissait sa configuration de mixage Eurorack, il a inclus des modules comme Mutable Instruments 'Clouds, un synthétiseur granulaire, et le TouellSkouarn Ar Merc'het Brao, un overdrive à double filtre. Lorsqu'ils sont assemblés dans une chaîne de mélange, les deux créent des "couleurs harmoniques massives".

En tant que premier utilisateur d'échantillonneurs, Jones est enthousiasmé par les capacités d'échantillonnage d'Eurorack. Pour explorer ces possibilités, il a assemblé un système spécifique à l'échantillonneur comprenant des modules comme le Morphagene, le 2hp Looper et le Bitbox Micro. Dans Sunroof, son duo avec le fondateur de Mute Records, Daniel Miller, Jones utilise sa plate-forme d'échantillonnage pour manipuler la sortie du système de Miller dans de nouvelles textures et formes rythmiques. Pour Jones, le synthé modulaire est synonyme d'« ouverture », une volonté de suivre les sons et de laisser la machine vous conduire vers des « destinations inattendues ».

Bien que principalement connue pour la musique country, Nashville, dans le Tennessee, possède une scène ambiante petite mais florissante. Kim Rueger est l'une de ses chevilles ouvrières. Elle enregistre du matériel solo sous le nom de Belly Full of Stars et joue du piano dans le Nashville Ambient Ensemble, un supergroupe de Music City qui comprend le guitariste à pédales Luke Schneider et la violoniste Alicia Enstrom. La musique délicate et enveloppante de Reuger sonne souvent comme si elle venait d'une pièce voisine, s'installant doucement comme une fine brume.

Lorsqu'elle a commencé à jouer des spectacles en direct, Rueger a chanté des harmonies vocales dans l'application iPad Borderlands Granular et a effectué des enregistrements sur le terrain via diverses pédales de guitare. Elle a complété ces passages texturaux avec un synthé Volca FM. Finalement, Rueger s'est intéressée à la synthèse modulaire pour étendre ses capacités de traitement. Elle a construit un système basé à la fois sur le Morphagene et le Phonogene, dont elle appelle maintenant la combinaison "le cœur de ce qu'elle fait".

La première incursion de Rueger dans l'utilisation du traitement modulaire comme outil de composition est venue d'une commande en 2019 du projet 20x20 basé à Londres. Il a chargé 20 artistes de créer un album de 20 titres, chaque chanson durant exactement 20 secondes. Pour créer les pièces de son entrée, le bleu est la couleur de la lumière de mon vrai amour, Rueger a rempli un petit skiff avec son Morphagene, un filtre Delta Sound Labs Saber, une radio musicale modulaire Music Thing, une fonction Make Noise et un 2hp Grains . Elle a composé une pièce pour piano de 20 secondes, découpant chaque seconde en un nouvel échantillon avec le Morphagene. Elle a étiré, déformé et filtré ces minuscules échantillons en drones oscillants ou en boucles pulvérisées et décalées.

Bien qu'elle utilise fréquemment le piano comme source sonore principale (Rueger me dit qu'elle n'avait pas d'oscillateur dans son système depuis des années), elle a créé des morceaux à partir d'enregistrements de carillons éoliens, de bruit de rue et du son d'un glaçon tourbillonnant dans un verre. "Ça peut être n'importe quoi", dit-elle. Pour Reuger, composer avec le synthé modulaire consiste à laisser le processus se diriger lui-même, permettant aux sons de déterminer où ils veulent aller.

Le travail de Bill Pettaway a profondément marqué le paysage de la musique pop pendant plus de 40 ans. Le multi-trait d'union né dans le Maryland et basé à Miami vit au service de sa créativité, toujours à la recherche d'une nouvelle source d'inspiration. Son parcours musical semble presque mythique en proportion : il a remporté un Grammy en tant qu'auteur-compositeur, a découvert Toni Braxton et a été le musicien de session incontournable de Timabland pendant des décennies, jouant de la guitare sur des chansons de Missy Elliott, Justin Timberlake, Ginuwine et Jay-Z. Il est également synthétiseur modulaire et a publié de la musique sur l'empreinte de Robert AA Lowe's Aventures, Ltd.

Lorsque Pettaway a entendu parler des synthés modulaires pour la première fois, il cherchait "quelque chose de si brut que cela pourrait être n'importe quoi". Il ne comprenait pas comment aborder un système modulaire au début, mais s'est senti appelé à continuer à explorer. "Cela n'avait aucun sens", pense-t-il, "mais je me suis plongé dedans." Il a appris à assembler des séquences et à les moduler avec d'autres circuits. Le Morphagene l'a ouvert largement pour lui, comblant le fossé entre l'instrument et l'unité de traitement. "Je peux l'utiliser comme boucleur, je peux l'utiliser comme retard", dit-il. Souvent, il utilisera le Morphagene pour modifier la hauteur de la voix d'un chanteur et envoyer cette voix traitée dans un vocodeur.

Cependant, au-delà de tout module spécifique, Pettaway affirme que les éléments les plus critiques du traitement du signal sont d'avoir une horloge synchronisée et d'être présents dans l'instant. "Ce qu'une horloge vous permet de faire, c'est de revenir en arrière avec un système ou un instrument modulaire différent, de le repenser, de l'accorder et de l'intégrer dans la chaîne de traitement", dit-il. Pour rester ouvert à toute inspiration, Pettaway s'efforce d'éviter d'utiliser son synthé deux fois de la même manière. Il se présente toujours à une session avec un système non patché et débranche tous les câbles après l'enregistrement. "Tout dépend du moment", déclare-t-il. "C'est ce qui rend quelque chose d'unique."

La musique lourde et expérimentale moderne ne sonnerait pas comme elle le fait sans Randall Dunn. Il a produit des disques pour Sunn O))), Earth, Midday Veil et Marissa Nadler, a réalisé des albums collaboratifs avec Oren Ambarchi et Lesli Dalaba, et a enregistré en tant que membre des Master Musicians of Bukkake. Il a beaucoup travaillé avec Jóhann Jóhannsson sur sa bande originale de Mandy et a produit et conçu la partition de la légende du synthé modulaire Robert AA Lowe pour Candyman. Son CV est profond et impressionnant.

Il jouait des synthétiseurs depuis des années, mais ce n'est que lorsqu'un musicien de session lui a montré comment faire passer le son d'une batterie dans un Minimoog qu'il a commencé à les utiliser comme outils de traitement. Dunn a commencé à intégrer une gamme de synthés matériels dans sa pratique de mixage, mais est devenu de plus en plus enchanté par le monde Eurorack au fur et à mesure de son développement.

"Ce qui est cool avec [Eurorack]", dit-il, "c'est que si vous construisez un système utile, vous pouvez le synchroniser avec Pro Tools. Si votre chanson est dans un clic particulier - et même si ce n'est pas le cas - vous pouvez commencer à penser une multitude de modulations, d'effets et d'automatisation dans le cadre d'un mixage." Il a commencé avec un Mutable Clouds avant d'étoffer son rack de manière significative, gravitant notamment vers divers modules de delay. Récemment, il a intégré le Make Noise Mimeophon dans sa palette de production, l'utilisant pour séquencer "des réverbérations étranges, presque fermées" sur le chant. Dans de nombreux cas, il veut ajouter un caractère hallucinatoire, légèrement inhumain à la voix d'un artiste tout en conservant sa qualité organique. "Comme une ombre complexe et modulée", dit-il, "C'est comme à quoi ressemble l'essence quand elle flotte sur l'eau."

Bien que Dunn insiste sur l'importance du hasard dans la production, il ne considère pas nécessairement les synthés modulaires comme des circuits sauvages aux possibilités infinies. Pour lui, la synthèse est aussi une question de précision, une ceinture utilitaire pleine d'outils utilisés pour atteindre un résultat sonore particulier. "C'est intéressant parce que rien de tout cela n'est nouveau", dit-il. "Pour moi, une grande partie de tout cela est basé sur le dub, comme King Tubby faisant un égaliseur séquencé par étapes." Il ajoute que quels que soient les outils utilisés, tout revient à gagner en structure et en flux de signal, en trouvant comment laisser chaque élément avoir son propre espace sonore.

Animal Collective avait déjà 15 ans de carrière avant que Brian Weitz, également connu sous le nom de géologue, ne commence à expérimenter les synthés modulaires. Noah Lennox (Panda Bear) avait intégré quelques modules de batterie JoMoX dans sa configuration, et Weitz s'est retrouvé fasciné et intimidé par la synthèse modulaire. Alors que le groupe était à Drop of Sun à Asheville, répétant le matériel qui allait devenir Painting With en 2016, Adam McDaniel les a amenés au siège de Make Noise juste en bas de la rue. Weitz a eu une démo du Shared System, l'instrument qui combine toutes les techniques de synthèse de Make Noise, et il s'est senti particulièrement attiré par le Phonogene. Les échantillonneurs complexes, comme l'Elektron Octatrack, comportaient trop de plongée dans les menus pour Weitz. Le Phonogene lui est apparu comme une unité d'échantillonnage accessible, lui permettant d'expérimenter et de coller.

Peu de temps après Painting With, VICE a demandé à Weitz et Dave Portner (Avey Tare) de participer à la série documentaire Earthworks du réseau. Les musiciens ont exploré l'Amazonie, capturant les sons de la forêt tropicale avec leurs plates-formes modulaires, bouclant, hachant et mettant en évidence les textures avec leurs Phonogenes. Ces enregistrements de terrain traités sont devenus le lit du psych-folk qui se déployait lentement de l'EP Meeting of the Waters.

Bien qu'il ait conservé son Phonogene, Weitz est récemment passé au Morphagene et a approfondi ses capacités de traitement. Il travaille sur un disque en utilisant des échantillons d'un ami proche jouant de la guitare acoustique, en coupant des phrases musicales particulières et en les peaufinant jusqu'à ce que "le matériel source soit méconnaissable".

Sur quelques morceaux, Weitz utilise un minuscule échantillon d'une seconde d'une corde pincée, séquençant l'entrée Varispeed du Morphagene avec son Rene pour créer ce qui "ressemblerait presque à un [guitariste] jouant un coup de langue". Pour Weitz, l'utilisation du modulaire l'a conduit sur la voie de la découverte spirituelle - une compréhension qu'un son n'est qu'un instantané d'un moment, dont les limites peuvent être explorées, repoussées et complètement remodelées.

Après que le premier album de Sylvan Esso ait commencé à exploser, Nick Sanborn s'est senti entraîné dans une nouvelle direction sonore nébuleuse. La configuration qu'il avait utilisée pour produire les toiles de fond électro-pop tremblotantes pour la voix chaleureuse d'Amelia Meath était simple : un ordinateur portable chargé d'Ableton, un contrôleur MIDI, un Roland Juno-6 et un Moog Minitaur. Les synthés modulaires Eurorack gagnaient en importance et Sanborn se demandait comment un système modulaire pourrait élargir son vocabulaire de composition.

Il était très enthousiasmé par les possibilités "d'échantillonnage en champ gauche" de Make Noise Phonogene. Meath a encouragé Sanborn à assembler un rack modulaire, et il a construit un petit système autour du Phonogene, le complétant avec un Make Noise Wogglebug et à la fois un Cold Mac et Just Friends de Mannequins.

Son entrée dans le domaine modulaire a été immédiatement fructueuse : "Tout de suite, j'ai eu un tas de choses qui ont conduit à des chansons sur [What Now]. Phonogene est partout sur ce disque." Lorsqu'il cite des exemples, il souligne l'intro de "Die Young", une rumination émouvante sur l'amour et la mort qui est devenue l'une des plus grandes chansons du duo. Le morceau s'ouvre sur une boucle mélodique saccadée échantillonnée à partir de la voix de Meath, découpée et repiquée par le Phonogene.

Depuis lors, Sanborn a élargi son système modulaire, est passé d'un Phonogene à un Morphagene et a ajouté Mutable Instruments' Beads - son module préféré actuel. Le synthé modulaire est désormais sa principale méthode de composition. Lors de l'écriture du dernier album de Sylvan, No Rules Sandy, Sanborn et Meath jammaient spécifiquement pour trouver des moments à échantillonner, en utilisant le Morphagene et Rabid Elephant Natural Gate pour transformer des morceaux de guitare ou de voix en pads et en sons percussifs.

Sanborn attribue aux synthés modulaires le changement de sa relation avec l'inspiration. "Cela m'a ouvert une nouvelle façon d'y penser", dit-il, expliquant que sa modularité lui permet de "juste commencer" plutôt que d'attendre d'être inspiré. Plutôt que d'aborder le synthé avec une idée fixe, Sanborn commence par une question : "Qu'est-ce que vous avez autour de vous ? Qu'est-ce qui sonne bien ? Comment pouvons-nous le changer ? Ensuite, vous répondez à cette question par vous-même et partez de là." Le processus est différent à chaque fois, ce qui fait partie de la joie. "Si j'avais une idée précise de ce que je voulais, je n'utiliserais pas le modulaire", dit-il.